Aguatintas
El estilo maduro
Aguatintas
A partir de mediados de los años sesenta del siglo XX, el grabado en aguatinta coloreada ocupa un lugar central en su obra artística. Durante ese período, también tomó forma el estilo maduro de Beeri. Marcado por la constante tendencia a centrarse en los valores de forma y estructura como elementos que dictan el contenido artístico de la obra.
En las aguatintas abstractas de Beeri de principios de este período (1965), desaparece la influencia del estilo tachista. El lugar de los tejidos orgánicos es ocupado por motivos geométricos que desde entonces constituyen el centro de la obra del artista. La gama de colores de las aguatintas también cambia y se matiza gradualmente y se caracteriza por el uso de superficies de color puro.
Solo algunas de las obras maduras de Beeri se inspiran en la pureza del estilo abstracto. Ya en las primeras aguatintas, además del significado abstracto, Beeri añadía en ocasiones a los círculos que aparecen en ellas un significado conceptual "concreto", vinculados a los cuerpos celestes (sol, luna, estrellas, etc.).
En grabados posteriores, los círculos, así como otras formas geométricas, se ven rodeados de superficies de colores amorfos y bordes suaves como niebla. Crea así un halo que puede interpretarse como un espacio cósmico, en el que flotan misteriosos cuerpos celestes.
Los títulos que Beeri dió a algunas obras, las vinculan a las historias de la creación, a los mitos clásicos relacionados con el espacio, a los fenómenos astronómicos y a los vuelos en el espacio exterior, abren una puerta a la interpretación de su símbolo.
Por el Prof. Avraham Ronen
Acrílico
Imágenes acrílicas
Una composición rica en elementos
El estilo de Berri también se expresa en imágenes acrílicas, manteniendo un estilo lleno de elementos gráficos que también se pueden ver en imágenes de acuarela. Ves su estilo distintivo, un artista maximalista y cree que el artista debe crear una obra artística rica en elementos para captar la atención del espectador.
Acuarela
1998
1998
1977
1998
Imágenes de Acuarela
Por el Prof. Avraham Ronen
Las acuarelas de Berri son una división que se destaca por sí misma dentro de la totalidad de su obra. A partir de 1965 se construye en ellos un rico e increíblemente diverso sistema pictórico constituido por una serie de capas, dispuestas a ambos lados de un eje vertical. La composicion contrastante de estas capas refresca la composición aparentemente simétrica. En algunas de estas pinturas, Berri se desvía por completo de la estructura simétrica y diseña una estructura libre con una naturaleza dinámica.
Tuvia Berri, el romántico, solía regalarle a su amada esposa, Esther Shulman Barry, una pintura de una flor con una dedicatoria en su cumpleaños como regalo -
(Fotos: Cairo a Elio)
Oleo
Pinturas de óleo
Por el Prof. Avraham Ronan
Las primeras obras de Beeri fueron pinturas al óleo. En los primeros años (1957 - 1955) hay secciones de paisajes urbanos estilizados. Sin embargo, sus pinturas a partir de 1958 llevan el sello de la influencia del estilo abstracto, tachista(manchado) y "lírico". Este estilo es uno de los fenómenos de la pintura "informal", la tendencia dominante en el arte europeo en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, que también influyó en la pintura israelí de esa época. Es así como Beeri, al comienzo de su carrera como artista, se une a los pioneros de la pintura abstracta en Israel.
Escultura
Escultura Verde
Tuvia Berri solía esculpir en materiales que encontraba en paceos en Israel en el área de Nachal ha Yarkon y alrededor del mundo.
Un tema central de la escultura fue la autoimagen, la familia y los animales - Se puede ver en algunas de las esculturas.
(Fotos: Elio Cairo)
Escultura
Flores
Flores 2002
Flores de la Tierra de Israel
Recibió un encargo para realizar un catálogo de las flores de la Tierra de Israel, más tarde las flores se convirtieron en una serie que se imprimió en tipografica.
(Fotos: Cairo Elio)
Técnica de impresión
Una imagen que ha sido transferida a papel u otro sustrato desde un marco hecho de un material duradero. Un dibujo se graba en vitela y luego se somete a un procesamiento que permite untarlo con color y la imagen impresa en el papel, manualmente o con una gofradora. La impresión en huecograbado, como el aguafuerte y el grabado, corta partes de la pulpa y en las ranuras que se crean por la acumulación de color, se necesita mucha presión para que el color pase de las ranuras y depresiones de la pulpa al papel. Por lo tanto, se requiere la presión de una prensa. Una impresión en relieve, como la xilografía y el linóleo, se imprime a partir de un relieve en el que las partes prominentes que quedan después del relieve son las que se pintan. Esta es una impresión más fácil y también se puede hacer con presión manual, utilizando el proceso de superficie, método de impresión planográfica. Los relativamente nuevos, como la litografía y el offset, preparan partes de la superficie de la pulpa para absorber el color de impresión. (Fotos: Elio Cairo)
The Teacher
maestro y amigo
Johnny Friedlander nació en 1912 en un pueblo de la región de Silesia, que en ese entonces formaba parte del Imperio Alemán. En 1922, completó sus estudios en Barcelona y comenzó a estudiar arte. En 1930 se trasladó a Dresde y en 1933 se estableció en Berlín y también visitó París. Durante la década de 1950, Friedlander participó en varias exposiciones y tuvo éxito. Viajó con sus exposiciones a Estados Unidos, Japón y Brasil.
Paralelamente, fundó una escuela de arte donde estudiaron pintores de todo el mundo. Tobías Bari fue uno de sus estudiantes y estudió con él después de recibir una beca en el país. Con el tiempo, Bari se convirtió en colaborador en los talleres y más tarde en amigo. La influencia de Friedlander es notable en su trabajo.
1983
1982
1988
1983